Di Anna & Maria Sciacca
I METODI DI RECITAZIONE NEL LAVORO DELL’ATTORE
Il lavoro dell’attore è tra le più belle forme d’arte che richiedono uno studio psicologico di personaggi e storie attraverso l’uso di parole, espressioni, gesti e posture.
Nel processo creativo di un personaggio, alcuni attori lavorano sull’approccio “inside-out” dal psicologico al fisico che significa iniziare dalla psicologia: pensieri, sentimenti prima di stabilire il comportamento, posture, gesti, mentre altri attori preferiscono iniziare da un approccio “inside in” dal fisico al psicologico che significa conoscere prima le caratteristiche fisiche, il comportamento, il contesto sociale, culturale del personaggio, l’ambiente, l’abbigliamento prima di esprimere i sentimenti del personaggio.
Gli attori di teatro e cinema utilizzano interessanti metodi di recitazione o tecniche per dare realismo alle loro interpretazioni, di solito fondono diverse tecniche in base al ruolo che interpretano.
Nel teatro musical gli attori esprimono le emozioni del personaggio e le azioni attraverso dialogo e musica, cantando e ballando, applicano tecniche di recitazione al canto, nota come “recitare attraverso una canzone”, interpretano i brani che sono come un’estensione della scena e del personaggio rappresentato nel musical, dando intense interpretazioni musicali.
In riferimento ai ruoli e ai personaggi interpretati, gli attori si distinguono: “personality actors” portano la loro naturale personalità dentro un ruolo, tendono a interpretare personaggi che sentono, “gli attori chameleon” alterano la loro voce, il loro look, il loro temperamento, “character actors” interpretano ruoli eccentrici e specializzati, “creative actors” mantengono il loro look ma personalizzano il ruolo che interpretano, creando un personaggio con la propria creatività.
I principali metodi di recitazione sono:
Il sistema Stanislavski focalizzato sul realismo psicologico, usando immaginazione ed emozioni, creato da Konstantin Stanislavski nel 1911 al Teatro d’Arte di Mosca in Russia.
Il metodo Lee Strasberg conosciuto anche come Il Metodo evolve dalla tecnica Stanislavski, usando una rievocazione emotiva basata nel ricreare esperienze personali, permettendo alle emozioni di emergere, questo metodo di recitazione, richiede introspezione, è spesso usato per il lavoro nel cinema e televisione. Il Metodo sviluppato da Lee Strasberg con il Group Theatre a New York, è perfezionato all’Actors Studio tra il 1940 e il 1950. E’ una tecnica che richiede un coinvolgimento nel personaggio, è noto per delle interpretazioni emozionanti. Gli attori danno un’autentica e intima rappresentazione della psicologia del loro personaggio.
Il metodo Chekov è stato sviluppato dall’attore russo e regista Michael Chekov negli anni venti, usa la tecnica psycho-fisica, sviluppando le emozioni di un personaggio attraverso movimenti, gesti e atmosfera.
Il metodo Brecht noto come Teatro Epico è stato sviluppato da Bertolt Brecht in Germania tra il 1920 e il 1930, questo metodo di recitazione incoraggia il pubblico a riflettere su argomenti sociali e politici, gli attori dimostrano il comportamento di un carattere che interpretano piuttosto che le emozioni e i desideri del personaggio.
La tecnica Meisner è stata sviluppata da Sanford Meisner negli anni trenta, è focalizzata sul comportamento, l’ascolto, spontanee e istintive interazioni.
Il metodo Stella Adler è stato sviluppato nel 1930 si basa sull’immaginazione, studiando il contesto sociale, storico e culturale di una storia per comprendere i personaggi, è adatto per il teatro classico e i ruoli intellettuali.
Il metodo Uta Hagen iniziò ad essere insegnato all’HB studio nel 1947 a New York. Si basa sul realismo e le azioni spontanee, gli attori interpretano dettagliate routine quotidiane, attraverso odori, dettagli sensoriali, oggetti, per dare autenticità ad una scena.
Practical aesthetics è un metodo sviluppato negli anni ottanta, si focalizza sull’azione piuttosto che sull’introspezione emozionale, questa tecnica si basa sulle reazioni spontanee, genuine interazioni per comprendere quello che fa il personaggio.
Il metodo Classical acting ha le sue origini dall’antico teatro greco, dagli spettacoli romani, le rappresentazioni Shakespeariane, e dal teatro del Rinascimento italiano, sviluppandosi poi in una moderna recitazione tra il 1930 e il 1950. Questa tecnica richiede proiezione vocale, buona dizione, gesti e movimenti fisici e una comprensione dei testi del teatro classico.
Il metodo mimico è il sistema di formazione teatrale italiano creato dal regista Orazio Costa a Roma negli anni quaranta, questo metodo di recitazione si basa sulla ricerca delle emozioni attraverso l’identificazione con il mondo esterno, gli ambienti, gli elementi naturali, il vento, l’acqua, gli alberi e gli animali traducendo la sua essenza interiore in azioni fisiche e dialoghi.
Nel lavoro di recitazione tecniche e informazioni antropologiche ed etnografiche sono anche molto importanti, per interpretare ruoli di esploratori, naturalisti, geografi e in films di culture indigene per comprendere i loro gesti, movimenti, reazioni, linguaggi, le loro interazioni sociali, come utilizzano gli strumenti quotidiani da lavoro, conoscere i loro valori, le motivazioni dietro le loro azioni, come si comportano nel loro ambiente naturale.
Gli attori cinematografici e teatrali utilizzano metodi di recitazione differenti, adattando le tecniche ai ruoli che interpretano, se lavorano sul palcoscenico o sullo schermo, e comunque che recitino in un film romantico o sociale, in un thriller o una commedia, in un film d’azione o un western e la magia è quando gli attori creano una significante connessione con il pubblico.
BY ANNA & MARIA SCIACCA
THE ACTING METHODS IN THE ACTOR’S WORK
The acting work is among the most beautiful forms of art and requires a psychological study of characters and stories through words, expressions, gestures, and postures.
In the creative process of a character, some actors work on the “inside-out” approach, which goes from psychological to physical; that means beginning with the character’s psychology: thoughts, feelings, before establishing the behavior, postures, gestures, while other actors prefer to start with the “inside-in” approach, which goes from physical to psychological; that means knowing the physical characteristics, the behavior, the social and cultural context of the character, environment, clothing, before expressing the character’s feelings.
Actors in theatre or cinema use various techniques to lend realism to their performances; they usually blend different methods depending on the role they play.
In musical theatre, actors also express the character’s emotions and actions through dialogue and music, singing and dancing; they apply acting techniques to singing, what’s known as “acting through song”; they play songs that are like an extension of the scene and the character they perform in the musical, giving intense musical performances.
Regarding the roles and the characters performed, actors can be distinguished: “personality actors” bring their natural persona into a role; they tend to play characters they feel; “chameleon actors” alter their voice, their look, and temperament; “character actors” play eccentric or specialized roles; “creative actors” maintain their look, but they personalize a role they play, creating a character with their creativity.
The major acting methods are:
The Stanislavski system focuses on psychological realism, using imagination and emotion; it was created by Konstantin Stanislavski in 1911 at the Moscow Art Theatre in Russia.
Lee Strasberg method, also called the Method, evolved from Stanislavski technique, using emotional recall based on recreating personal experiences and allowing emotions to emerge. This acting method requires introspection; it’s often used for film and television work. The Method was developed by Lee Strasberg with the Group Theatre in New York; it was refined at the Actors Studio between the 1940s and 1950s. It is a technique that requires involvement in the character; it’s known for emotional performances. Actors give an authentic and intimate representation of their character’s psychology.
The Chekhov method was developed by Russian actor and director Michael Checkov in the Twenties; it uses a psychophysical technique, developing a character’s emotions through movement, gestures, and atmosphere.
The Brecht method, known as Epic Theatre, was developed by Bertolt Brecht in Germany between the 1920s and 1930s. This acting method encourages the audience to think about social and political subjects; the actors demonstrate a character’s behavior rather than the character’s emotions and desires.
The Meisner technique was developed by Sanford Meisner in the Thirties; it focuses on behavior, listening, and spontaneous, instinctive interactions.
The Stella Adler method was developed in the 1930s; it is based on imagination, studying the social, historical, and cultural context of a story to understand the characters. It’s well suited to classical theatre and intellectual roles.
The Uta Hagen method began to be taught at HB Studio in New York in 1947. It is based on realism and spontaneous actions; actors perform detailed daily routines through smells, sensory details, and objects to give authenticity to a scene.
Practical aesthetics is a method developed in the Eighties; it focuses on action rather than emotional introspection. This technique also relies on spontaneous reactions and genuine interactions to understand what the character does.
The classical acting method has its origins in the ancient Greek theater, Roman spectacles, Shakespearean performances, and Italian Renaissance theater, and then developed into modern acting between the 1930s and 1950s. This technique requires vocal projection, good diction, physical gestures and movements, and an understanding of texts of classic theatre.
The mimic method is the Italian theatrical training system created by director Orazio Costa in Rome in the 1940s. This acting method relies on searching for emotions through identification with the external world, the environments, the natural elements, the wind, the water, the trees, and the animals, translating its internal essence into physical action and dialogue.
In the acting work, anthropological and ethnographic techniques and information are also important to perform roles about explorers, naturalists, geographers, as well as in films about indigenous cultures to understand their gestures, movements, reactions, languages, their social interactions, how they use daily work tools, to know their values, the motivations behind their actions, how they behave in their natural environment.
Actors in movies and theater actors use different acting methods, adapting techniques to the roles they perform, whether they work on stage or on screen, but what makes their acting work authentic is when they see their profession just like a work rather than a desire for fame, when they’re interested in the truth of the character rather than being a celebrity, and regardless of whether they are performing in a romantic or social movie, a thriller or a comedy, an action or western movie, the magic is when actors create a meaningful connection with the audience.
